インテグラル・ビジネス創成日記より

今月末～来月はじめに参加を予定している接心（合宿形式の坐禅会）では、皆で交代で食事を作ることになっているので、精進料理を少し練習しようと思って作ってみた。

不恰好だけれど、これは五目ひりょうず。水切りした豆腐と大和芋のすりおろしを混ぜ、ささがきごぼう・人参の細切り・ぎんなんを混ぜて揚げたもの。だし割醤油をつけて食べる。要するに自家製のがんもどきなのだけれど、揚げたてはふわふわほろほろという優しい口当たりでわれながらかなり美味しい。でも、20人分作るのは時間もかかるので無理かなあ（ぎんなんの固い殻を割るのがなかなか難儀なのだ）。オーソドックスに煮物と白和え、ごまよごし等の練習をしておいたほうがよいかしらん（最近、手早くできるものしか作っていなかったので、自信がなくなっている）。

こちらのレシピを利用した。
西川玄房著　『禅寺のおばんざい　四季の膳』（女子栄養大学出版部）
 

＊「インテグラル・ビジネス創成日記」より転載

先日、仕事場へ向かう道すがら、駅から30分余りかかる長い道を歩いていた。 その時、ふと心に浮かんだのがこの言葉だった。

これは、井上雄彦の人気漫画『スラム・ダンク』の一節だ。自分が何とかしなければ、と思う余り空回りをしていたある選手（主人公の一人・赤木選手）が、「自分のチームには主役になれる選手が何人もいる。でも、彼らのために体を張って活躍できる場を作ってやれるのは自分しかいない」と確信して、変貌していくシーンの印象的なせりふである。

自分の立場は、チームの大黒柱だった赤木君とは全く異なる（それでも、何かしら共感できる選手がいるのがこの漫画のすごいところだ）。自分の役目についても、薄々こういう方向で了解していた面はあった。

でも、漠然と思っていたことに、しっかりした方向性を与えられたように思う。自分は夢をめったに見ないので（はなく、覚えていないだけとアートセラピストには言われるのだが）、こういう機会をとても貴重に思った。   

芸術の秋到来。このところIRの仕事で忙しい日々を送っていたけれど、一息ついて、昨日はスクロヴァチェフスキ+読売日響のコンサートに行って来た（サントリーホールにて）。ブラームスの交響曲3番に、シマノフスキのバイオリン協奏曲、ショスタコービッチの交響曲1番という盛りだくさんのプログラムだった。

ブラームスは、これを聞くと”偉大な田舎者”という気がする。 舞曲が多用されていることがよくわかり、有名な第3楽章も甘ったるいものにならず、ひなびた味わいがあった。シマノフスキのコンチェルトは、バイオリンという楽器の魅力を大いにアピールできる曲。ソリストのアリョーナ・バーエワは本当に名手で、こういう超絶技巧がただ目立つためではなく、オーケストラと融合して音楽の創造に奉仕しているのを見るとき、幸せを感じる。 ショスタコービッチは、CDでは殆ど聞かないが、ライブで聴くのは好きな曲だ。世界との関係がもう無邪気なものではありえないという苦さに満ちていて、でも闘っている感じなのが、好きなのかもしれない。このショスタコービッチは、とてもスタイリッシュな演奏だった。

意欲的なプログラム構成で大満足。80歳台半ばにしてこういうプログラムを組んでくる（そして、ブラームスは当然としても、ショスタコービッチも暗譜）ところにスクロヴァチェフスキの若さを感じる。実際、指揮ぶりも”枯れている”という感じはしない。男性的・構築的で、ライブで聴ける指揮者の中ではかなり好きな指揮者の一人。来週以降のプログラムも楽しみだ。   

異業種交流会で仲良くなった人の紹介で、ベリーダンスの体験レッスンに行ってきた。

私は元々、フラメンコを1年、クラシックバレエを18年習っていたことがあり、踊るのは大好き。去年、レッスン中に怪我をして以来、膝に不安があるためバレエのレッスンから足が遠のいていたけれど、何か踊りはしたいと思っていた。

ベリーダンスは、クラシックバレエとは殆ど対極的だ。よく言われることだがバレエは上昇・飛翔・飛躍を目指す動きが中心であるのに対し、ベリーダンスの重心は低い。バレエはトルソ（胴体）を殆ど動かさないが、ベリーダンスは胸・肩・腰が動く動く･･･。

でも、重心の低い踊りというのもいいものだ。どっしりしていて心が落ち着く。年齢を経るに従って、自分の好みも移り変わっていっているのかもしれない。私は音楽でも踊りでも、とにかくクラシックで様式性の高いもの、高い規律を要求するものが好きだった。最近、少し、緩やかで流れるようなものにも心を惹かれている。

友人に話を聞いて興味を持ち、現在国立新美術館で開催中のエミリー・ウングワレー展（http://www.emily2008.jp/、7/28まで）を見てきた。

彼女は、アボリジニの女性で、伝統を受け継ぎ、コミュニティの年長者として、長年儀式をつかさどってきた。80歳になるころアクリル画を始め、80代半ば（生年不詳のため正確な年齢がわからないそうだ）で亡くなるまでの8年間に、3,000点を超える作品を残している。

彼女の作品を見ていると、大好きなパウル・クレーでさえも、頭で考えて描いた感が強く、弱々しく思えてしまう。それほど、溢れかえるような生命力。

彼女の作画風景がビデオに残されていたが、地面に巨大なキャンパスを置いてその上に坐り、下書きも何もすることなく、太い筆で迷いなく描いていく。全体を初めに構想して取り掛かるのではなく、一部ずつを描いては仕上げ、描いては仕上げしていつの間にか全体がまとまっているという手法だ。人生のいたるところに曲がり道があり、全体像が見えなくても状況に対応することが求められることが多く、最後にこれでよしと思えればよいという、いかにも女性的な生き方を象徴しているようだ。

抽象画でありながら、抽象画か具象画かという次元を超えているところが面白い。彼女にとっては、描く全ては故郷、愛するものたち、アボリジニの伝統にのっとって自分と深いつながりで結ばれたものたちだったのだ（アボリジニは、一人ひとりに、守らなくてはならない動物や植物が決められているのだそうだ。これを“ドリーミング”と呼ぶが、彼女はこの“ドリーミング”を繰り返し描いている）。

人間が、誰に教えられずとも抽象化の能力を発達させていく、という事実も興味深い（彼女は、初期にはヤムイモの茎の部分の形を描いていたが、後期には線だけになった。彼女は故郷から殆ど出たことがないため、西洋美術に触れる機会はなかった）。殆どひとつのテーマ（故郷）を、繰り返し繰り返し、膨大な量を描いていくうちに、作風はわずか数年の間に何度も変わっていった。80代という年齢になっても、変化を生み出す能力、成長していく能力を人間がもつという事実に非常に勇気づけられた。

力強さ、エネルギー、温かさ、大地とのつながり。構造的というよりも流動的。MindよりもHeartやSoulの力が強いこと。変化に富んでいて多様。それでいながらの、全体的な統一感。エミリーの絵を見ると、女性性とは何かということについて、大いにヒントが得られるように思う。

そして、他者の視点を取ることの難しさ（彼女の絵を見終わった後は、もう砂漠が生命のない荒涼の地には見えない）。描くという営為そのものが祈りになりうること。さまざまな刺激を得ることができた展覧会だった。

齋藤孝の本を読んでいて、インテグラル思想と共通する問題意識を表明している箇所があり、目を見張った。しかも「垂直」と「水平」という、インテグラル思想にとって非常に重要なキーワードを用いて。

　（前略）明治時代以降、「書生」という社会システム（慣習）や旧制高校的教養主義などを通じ、自己形成していく若者は数多くいました。自分を超えたもの、自分より大きなものに敬意を払い、それと対比して垂直的に自分を掘り下げたり、あるいはそこに向かって自分をつくっていったわけです。

　しかし今は、自分という核を持たないまま、ひたすら水平的に「何かいいものはないか」「おもしろいものはないか」と探し回っているだけ。最近の世の中はこれを「自分探し」と称していますが、こういう風潮が始まったのは一九八○年代ごろからです　（pp.16-17）（＊太字は引用者）

齋藤孝は、一般に影響力を持つ知識人（というカテゴリー自体が消滅しつつあるように思えてならないが、それはともかく）の中でも、段階的発達や階層性という視点を持っているひとだと思う。やたらと個性を有難がる風潮を批判し、「型」を繰り返し体得することの重要性を訴えるなど、インテグラル思想との共通性も高い。彼の本は、内容の濃い薄いのばらつきがあるのが難だけれど、多くの人に読まれてほしいと思う。

齋藤孝　『なぜ日本人は学ばなくなったのか』　講談社現代新書

週末は、一泊二日でプレイバックシアターのワークショップに行ってきた。ドラマ的な要素を取り入れたワークは、インテグラル理論でも重視している”Perspective taking”を自然に実践することができるので、ITPを実践している仲間の中でも注目しているワークである。

今回、参加してみて、様式や構造の持つ力を感じた。ネガティブな感情を、時や場所をわきまえずに吐き出せば、それはほとんど暴力になってしまう。ある構造や様式に沿って表現することにより、安全に扱えるようになるのだな、ということを感じた。

私は、こういうグループプロセスの場ではなかなかネガティブな感情を打ち明けることが難しかったのだけど、この手法では、本質的な要素を残しつつ適度な抽象化が行われるので、自分の体験を生の形で共有するよりも取り組みやすく思えた。非常に興味深いワークなので、今後も研鑽を積んでいきたい。

今週の火曜日、思い立って鎌倉に行ってきた（上：長谷寺、下：明月院本堂裏庭園にて撮影）。緑の多い場所に来ると、ひんやり涼しい空気が流れているのが心地よい。そして、土の上を歩くと、生き返ったような気がする。この日は、あいにく日が照っていて－－なんだか変な表現だが、紫陽花や菖蒲を観賞するには、細かい雨が降っているくらいが風情があって似合うのだ－－、菖蒲がいささかしおれ気味だったのが残念。

昨日、久しぶりに行ったヨガの教室で無料配布されていた小冊子に、「朝起きたらまずヨガマットを広げ、タダアーサナ（山のポーズ）で今日の自分の状態を確認してみなさい」ということばが載っていた。

 なるほど、と思って今朝からやってみた。タダアーサナは、両足を開いて下半身はどっしり、上半身は伸びやかに立つというごく単純なポーズなのだけれど、立位で瞑想状態に入り易いので好きなポーズ。ヨガマットを敷くという一手間をかけるだけで、つづけて練習をしてみようという気になれるのが不思議だ。

私たちが取り組んでいるITP/ILP（統合的変容のための実践）では、継続的に運動をすることを勧めているけれども、続けていくのはなかなか難しい。ITP仲間で昔陸上を専門にやっていた人から、健康と運動に関する講義を受けたことがあるけれど、身体的健康を維持するために必要な運動量は自分たちが思っている以上に多くて、驚いたことがある。毎日の生活の中で回数多く続けていくためには、自分の意志のほかにちょっとした工夫やしかけが必要だが、これはいい習慣かもしれない。

でも、今朝は、練習中、エージェントさんの始業時間に入ってしまい、携帯が鳴り始めて困ったな（こういうときはマナーモードにしているけれど、やはり気になってしまう）。もう少し早起きしよう。

楽曲、指揮者、演奏者、コンサートホール、自分の体調、聴衆･･･さまざまな条件が不思議に揃うと、何年かに一度の奇蹟が起こることがある。

音楽を聴いて、心身脱落するような経験はめったにないが、今日、私はそれに近い経験をした。

楽曲は、ブルックナーの交響曲第5番。ブルックナーのシンフォニーの中でも、「最も構築性の高い作品」との評もあるものだ。

聴いた座席は、1階センターだが前から2番目という、交響曲を聴くには余り理想的とは言えない席だった。管が一歩遅れたように聞こえるし、音の塊は頭の上を飛んでいく。

けれども、首席奏者たちが息を合わせる緊迫感、気迫がひしひしと伝わってくる。弦楽四重奏のように、各声部が聞こえてくる。この距離にして始めて知る弦の音の表情の不思議さ、味わい深い管のソロ、堂々たる吹奏。

指揮者が頬をふくらませて息を詰め、息を吐き、時にはうなり声を立てる。演奏者とともに、この音楽を呼吸できたことは幸いであった。

第4楽章になると、誰が指揮をしているのか、誰が演奏をしているのか、そういうことはもうどうでもよくなっていた。

全ての虚飾を剥ぎ取った、ブルックナーの峨々たる魂がそこにあった。限りない憧れ、前進する力、人間の苦闘。

偉大な芸術は我々を癒す。その偉大さにより、我々を覆っている鎧を打ち壊すことによって。その魂の光輝の中に、我々を消え去らせることによって。

今夜、私は、その場で息が絶えても本望であると思った。生涯に二度目、17年前に同じホールで聞いた、リヒャルト・シュトラウスの「四つの最後の歌」以来のこと。

2008年4月18日、サントリーホールにて。スタニスラフ・スクロヴァチェフスキ指揮・読売日本交響楽団第470回定期演奏会。